‘Taxi Driver’가 알려주는 시나리오 작성 교훈

‘Taxi Driver’가 알려주는 시나리오 작성 교훈

1976에 개봉한 마틴 스콜세지 감독의 <Taxi Driver>는 당시 아카데미상 4개 부문 후보에 올랐고 그해 칸에서 황금종려상을 수상하는 등 많은 인정을 받은 최고의 영화입니다.

 

 

 

 

 

 

 

 

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뒷 이야기가 있는 지루한 사람이 되지 말아라.

작가는 각 캐릭터에 대한 자세한 전기를 작성할 수 있습니다.

대부분의 경우 이것은 오직 작가가 캐릭터를 이해하는 데 도움을 주기 위한 것입니다.

 

관객들이 지루한 오프닝 설명을 듣거나 '감정적 계시' 장면에서 줄줄이 목격해야 한다는 의미는 절대 아닙니다.

 

우리가 Travis(로버트 드니로)에 대해 알게 된 배경 정보(비하인드 스토리)는 덧없고 의심스럽습니다. 영화 초반에 그가 전직 해병대에 있었다고 밝혔습니다. 관객이 이해할 수 도록 그의 부모에게 보내는 편지 장면이 있습니다.

 

Travis는 잠재적으로 매우 신뢰할 수 없는 이상한 사람 입니다..

따라서 이 그를 믿는다면 기껏해야 대략적인 이야기입니다.

여기서 요점은 그것이 항상 중요하지는 않다는 것입니다.

이 대략적인 정보는 그의 과거 또는 상상된 과거의 이미지를 충분히 만들어 그의 현재에 대한 약간의 이해를 생성하고 관객들의 해석은 열려 있습니다.

 

아마도 Travis는 군대에 있었고, 어떤 이유에서든, 아마도 심리적 문제로 인해 또는 그 결과 가족과 격리되어 제대했을 것입니다. 줄거리가 필요하지 않기 때문에 청중은 자세한 결정적인 설명을 얻지 못하고 함축된 내용이 충분한 설명을 제공하며 이것이 어떻게 해석되는지는 관객내 스스로 추측과 호기심을 불러일으키고 계속 보고 생각하게 만듭니다.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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가끔은 캐릭터가 말하지 않는 것이 좋다.

각본의 관점에서 Taxi Driver를 논의할 때 대화 문제를 제기하는 것은 약간 어색합니다.

영화에서 가장 많이 인용된 대사 중 하나가 등장합니다.

 

나에게 말하는 건가요?

나에게 말하는 건가요?

나에게 말하는 건가요?

나에게 말하는 건가요?

글쎄, 나는 여기 유일한 사람입니다.

도대체 누구랑 얘기하는 것 같니?

 

영화 평론가 들은 이 장면을 '트래비스가 주변에서 볼 수 있지만 참여하지 않는 일종의 수월한 사회적 상호 작용을 흉내내는' 장면이라고 평가했습니다. 그러나 Travis가 영화의 다른 곳에서 말하지 않은 것에 대한 연구를 통해, 그의 성격에 관한 많은 통찰력을 얻을 수 있습니다.

 

 

마법사(피터 보일)는 음란한 성적 일화를 말하고, 트래비스는 듣기는 하지만 끼어들지 않습니다. 섹스와 사랑의 모호한 경계에 관한 대사는 동료들에게 웃음을 유발하지만 트래비스는 웃는 척만 합니다. 여기서 유머를 구별하고 관련시킬 수 없습니다.

 

마찬가지로, 장면의 후반부에 그가 대답하지 않고 유리잔에 들어 있는 탄산 아스피린을 응시하면서 그의 관심은 대화에서 벗어납니다.

 

여기에 약간의 추측이 있습니다. Travis가 단순히 산만하거나 그의 근본적인 심리적 문제와 관련된 이러한 ‘단서/증상’입니다. 그럼에도 불구하고 이 정보는 대화의 부재 또는 대화의 중단을 통해 전달됩니다.

 

작가는 일시 중지, 비트, 망설임 및 어색한 침묵을 위해 대화를 중단할 때를 고려해야 합니다. 이러한 것들은 그 자체로 많은 것을 말할 수 있습니다.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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외로운 주인공을 다루는 교훈.

Travis는 외톨이이며 (자신감이 없는 캐릭터) 아마도 영화 역사상 가장 즉각적으로 인정받은 인물 중 하나일 것입니다. 게다가 그는 복잡한 내면의 심리학을 가진 사람이기도 합니다. 여기에서 Taxi Driver는 이를 보다 영화적으로 배포하기 위해 다양한 방법을 실행합니다.

 

 

일기 또는 그의 부모에게 보내는 편지는 나래이션과 함께 사용할 때 Travis의 내면 생각에 대한 가장 즉각적인 통찰력을 제공합니다.

또한 Travis는 쓰면서 자신의 말을 내레이션합니다.

 

나중에 이 음성 해설이 다른 행동 위에 사용되며, 음성 해설이 의미하는 바에 대한 청중의 이해가 확립되고 보조를 유지하고 사고 방식을 명확히 하는 데 유용한 도구가 됩니다.

이러한 단어가 일부 이벤트와 모순되는 경우에도 마찬가지입니다.

음모와 서스펜스를 만듭니다.

 

주목해야 할 중요한 점은 청중이 이러한 고독한 순간과 내면의 생각을 Travis와 공유하여 유대감을 형성하고 참여를 유지하고 단순하지만 효과적이라는 것입니다.

 

물론 음성 해설은 주의해서 사용해야 하며 관련이 있는 경우 오용은 시청 경험을 방해하고 심지어 패러디로 변질될 수 있습니다. <Taxi Driver>는 심리적인 문제에 대한 이야기이기 때문에 내면의 목소리를 전달하기 위해 목소리(나래이션)를 사용하는 것이 적절합니다.

 

 

또한 Travis는 혼자이지만 다른 캐릭터와 상호 관계에 자주 실패한다는 점을 유의해야 합니다. 이러한 대화의 단절은 Travis의 캐릭터가 실제로 얼마나 외로운지를 나타내는 역할을 합니다. 장편 영화의 관객에게 중요한 것은 내러티브에 약간의 질감을 더하기도 합니다.

스크린에서 어떤 관객도 캐릭터가 너무 오랫동안 홀로 고립되는 것을 용납할 수 없습니다.

캐스트 어웨이(2000년작)를 생각해 보십시오. 

심지어 톰 행크스에게도 윌슨이 있었습니다.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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회색의 중립성을 갖는 케릭터

Travis의 영웅인가 악당인가?

 

오늘날까지도 여전히 회자된 질문은 영화의 끝에서 분명히 그를 영웅으로 볼 것이지만, 상원의원 암살이 성공했다면 그는 매우 악당이 되었을 것입니다. 흰 모자를 쓴 영웅과 검은 모자를 쓴 악당은 삶을 지나치게 단순화된 방식으로 바라보는 것이므로 관객이 실제로 그런 방식으로 발전된 캐릭터에 참여할 것으로 기대할 수 있습니다.

 

 

Travis의 이야기는 회색 음영으로 진행되어 '좋은 일을 하는 나쁜 사람인가 나쁜 일을 하는 좋은 사람인가'라는 질문을 던집니다. 차이점이 무엇인가요?

아마도 Travis는 회색 영역을 이해하지 못하고 모든 것을 흑백으로 보는 것 같습니다.

 

 

 

어느 쪽이든, 이것이 생성하는 긴장과 호기심은 청중이 계속 시청하고 다시 시청하도록 돕습니다. 복잡하고 신뢰할 수 있는 캐릭터는 청중이 관심을 갖고 질문하는 회색 컬러를 갖는 캐릭터인 경향이 있습니다. 트래비스의 '안티 히어로'라는 상징적인 대중문화적 위상은 이를 긍정하는 것으로 볼 수 있다.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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캐릭터에 맞춰진 이야기 세계

여느 대본과 마찬가지로 작가는 영화가 진행되는 '아레나'(이야기의 세계)를 간과해서는 안 됩니다. <Taxi Driver>의 뉴욕 거리는 자신만의 캐릭터가 있다고 할 수 있습니다.

 

영화 속 거리를 생각해 보십시오.

더럽고 어둡고 바람직하지 않은 빈곤과 폭력, 절망과 왜곡된 도덕; 이것은 Travis가 자주 가는 거리입니다. 다른 많은 택시 운전사들이 일하지 않는 거리입니다.

 

대조적으로, 햇빛이 비치는 낮의 밝은 거리는 Travis에게 도달할 수 없는 낭만적 이상일 뿐만 아니라 정치 캠페인의 열정을 특징으로 합니다.

 

낮 시간 거리는 밤 시간 거리의 이면을 나타내는 것으로 이해될 수 있으며,

위치가 잘못되었거나 도달할 수 없는 경우에 대한 희망과 낙관주의를 나타냅니다.

 

밤낮을 가리지 않고 이 영화의 거리는 트래비스의 불안한 정신 상태를 시각화하는 것으로 이해될 수 있으며, 이러한 사고 방식으로 관객을 몰입시킵니다. 작품 공간은 단순히 이야기가 설정되는 곳으로 간과되어서는 안 됩니다.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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캐릭터 이름의 상징성은 크다.

캐릭터 이름에는 모든 종류의 의미가 포함될 수 있습니다.

예를 들어 지루한 캐릭터에 대해 지루하고 평범한 이름을 선택할 때 그렇습니다.

장편 영화 대본에 등장하는 주인공의 이름은 이야기의 주제적 깊이를 높이는 측면에서 생각해볼 가치가 있습니다.

 

건너다를 의미하는 프랑스어에서 파생된 이름인 Travis를 생각해 보십시오.

다리와 수로에서 통행료 징수원에게 주어진 이름입니다.

따라서 Travis라는 이름은 택시 운전사를 고용하여 사람들을 운송하기 위해 지불하는 캐릭터에 다소 적합합니다.

 

그것은 또한 둘 이상의 마음 상태 사이를 교차하는 주인공에게 적합하며, 따라서 '교차'하여 영화의 사건을 사용을 통해 해석하는 몇 가지 추가 수단을 추가합니다.

 

 

영화 안에 이러한 세계가 무엇인지는 논쟁의 여지가 있으며 Travis 자신은 다시 논쟁의 여지가 있습니다. 여기서 중요한 것은 이러한 이름이 더 깊이 있고 토론을 가능하게 하고 작가가 자신의 이야기를 알고 있고 그들이 말하는 이야기의 본질을 의식하고 있음을 나타냅니다.

 

 

 

 

 

 

 

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결말은 다양한 해석이 있는게 좋다.

Taxi Driver의 결말은 다양한 해석이 가능하며, 일부에서는 트래비스가 총격으로 사망했으며 마지막 에필로그는 그의 죽어가는 꿈을 나타냅니다. 어떤 사람들은 영화를 '꿈의 상태'라고 생각하는 사람도 있습니다. 이것은 일반적으로 영화에 대한 스콜세지의 의견과 확실히 일치합니다.

 

또한 '마지막 프레임이 첫 번째 프레임에 연결될 수 있고 영화가 처음부터 다시 시작되는 것'을 상상했다고 말했습니다. 관객은 의식적이든 무의식적이든 이를 인식하고, 작가가 자신의 이야기를 확인하고, 진행되고 있는지, 만족스러운 결론에 도달했는지 확인합니다.

 

 

 

 

 

 

 

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만화경을 통해 깊고 세세한 현실을 담아라.

많은 각본에 대한 조언과 일반적인 글쓰기 조언은 현미경을 통해 인생을 바라보라고 말합니다. 이것은 모두 좋은 조언이며 때로는 사소한 일상 문제에서 훌륭한 이야기가 나올 수 있습니다. 그런 다음 일상 생활에 대한 다양한 관점을 탐색하고, 이상하고 어려운 사건을 둘러보고, 잊을 수 없는 다른 사람들과의 만남, 주변의 크고 작은 뉴스 사건, 이 조각들이 어디서 만나는지, 그것들은 어디에서 겹치는가? 또는 어떤 아이디어가 촉발되는가?

 

Taxi Driver의 시나리오 작가인 Paul Schrader는 처음에 1972년 미국 대선 후보인 George Wallace를 총으로 쏴 중상을 입힌 외톨이인 Arthur Bremer의 일기에서 영감을 받았습니다. Schrader도 자신의 삶에서 영감을 받아 어려운 생활 직후 대본을 썼습니다.

 

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여기서 요점은 아이디어와 영감이 다양한 형태로 제공되며 때로는 우리 삶의 이상한 사례가 대본에 큰 도움이 되어 사건에 대한 신선한 관점을 제공한다는 것입니다.

 

Taxi Driver는 Travis의 세계인 그가 겪고 있는 특정 생리학적 문제, 아스피린, 지폐, 기타등등 모든 설정 장치를 통해 재현됩니다. 그들은 버려져 보일지 모르지만, 거기에 있어야합니다.

 

작가를 위한 진정한 기술은 작동하는 것과 작동하지 않는 것, 해야 하지만 작동하지 않는 것처럼 느껴질 때 작동하게 만드는 방법을 아는 것입니다.

 

 

 

 

 

 

 

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창의적인이어야 한다는 사실을 잊지 말라.

감독은 Taxi Driver에 대한 아이디어는 '마약에 의한 흥청망청 또는 꿈'과 같은 영화에 대한 대화의 결과로 생겨났다고 밝혔습니다.

 

Travis의 성격의 모호성, 내부, 또한 영화의 다양한 해석, 특히 결말. 요컨대, '현실'이든 '환상'이든 극단적인 이분법적으로 생각하는 것을 조심해야만 합니다.

 

또한 감독은 관객이 특정 지점에 도착했음을 의식하게 만드는 것은 좋은 연출이 아닙니다.

관객 스스로 그렇게 자연스럽게 느끼고 의문을 품게 만들어야 좋은 작품이 됩니다.